La revolución del cómic

Alexandra Mendoza/ En los años ochenta, Art Spiegelman revolucionó el mundo de los cómics con un relato histórico, psicólogico y diferente. Supuso una forma nueva y rompedora de tratar un mismo tema y un aire renovador en el ámbito de la novela gráfica.
En MAUS, Spiegelman no sólo relata la experiencia de su padre (Vladek), judío y polaco, sino que lo hace narrando su relación paterno-filial y mostrando la mella que hizo en el carácter de Vladek la tragedia que vivió años atrás. Retrata dos momentos diferentes, el holocausto y el momento en que se escribió el libro; dos lugares distintos, Polonia y Rego Park (Nueva York); y dos personajes, el propio Art y su padre.
El lenguaje propio del cómic hace que en algunas viñetas incluso sobren los diálogos, los cuales, en el caso de Vladek, pueden inducir a creer que ha habido erratas. Pero, en realidad, ese "mal-hablar" del personaje, se deriva de sus dificultades con el inglés -idioma original de la obra- y ha querido mantenerse en la versión en español para no quitarle matices propios.
La analogía de sus personajes con animales, aporta un matiz al significado del mensaje, sobre todo en la dualidad representada por judíos y alemanes, dibujados como ratones y gatos. Estos dibujos en blanco y negro realizados a mano (y también los textos) por el mismo Spiegelman, sirven para dotar de emociones más palpables al relato, pero también permiten dulcificar en cierto modo imágenes que de otro modo resultarían más duras. Este mundo mágico, gráfico, creado por el autor, sólo introduce una nota visual de realismo cuando a tan solo dos páginas del final incluye una foto de su padre con el uniforme de preso, haciéndonos conscientes de la humanidad que trasciende.
En principio, esta historia se fue publicando en diferentes números de la revista RAW (creada por Spiegelman) entre 1980 y 1991, pero se decidió juntar los capítulos en dos volúmenes "Relato de un superviviente. Mi padre sangra historia", de 1986, y "Y aquí comenzaron mis problemas", publicado en 1991. Las ediciones actuales han optado por presentar ambas partes dentro de un mismo tomo consiguiendo una mayor continuidad.
Las alabanzas que se han granjeado tanto el libro como su autor, han sido muchas, pero entre ellas destaca una de forma especial. Hace ya casi un siglo que se otorgan los premios Pulitzer y, en toda su historia, MAUS ha sido el único cómic que ha recibido tan prestigioso reconocimiento.
Son casi trescientas páginas que invitan a ser leídas de una sentada, porque lo cierto es que MAUS tiene un encanto especial que engancha desde el principio por su originalidad, por su dramatismo, pero sobre todo por su ternura.

Ficha:

• Título original: "Maus a survivor's tale"
• Autor: Art Spiegelman
• Editorial: Reservoir Books
• Edición: Enero de 2009 (6ª edición)
• Cubierta: Art Spiegelman y Louise Fili
• Ilustraciones: Art Spiegelman

EL SICARIO DE DIOS

Ficha Técnica

- Título original: PRIEST
- Año: 2011
- Director: Scott Stewart
- Reparto: Paul Bettany, Cam Gigandet, Karl Urban, Stephen Moyer, Lily Collins, Christopher Plummer, Alan Dale.
- Guión: Cory Goodman
- Nacionalidad: USA
- Fecha de estreno: 6/5/2011

Gloria Conde/ Scott Stewart dirige este film, donde repite muchos de los elementos que ya plasmó el pasado año en su debut con Legión. Entonces se trataba de un ángel que se enfrentaba a la ira de Dios para salvar a los humanos, ahora la acción se traslada a un mundo marcado por la existencia de vampiros.

El Sicario de Dios, te introduce en un mundo en el que en el pasado, la lucha entre humanos y vampiros llevó a numerosas guerras donde los humanos salieron vencedores. Los vampiros que quedaron fueron encerrados en reservas y la iglesia tomó el poder, creando ciudades-estado en las que mantienen a la población entumecida.

El protagonista de la película es un sacerdote (Paul Bettany), que en el pasado había combatido a los vampiros, y que decide retomar esta misión cuando éstos acaban con la vida de su hermano y secuestran a su sobrina. Desafiando a la iglesia y en contra de las indicaciones que le dan en su orden, el sacerdote comienza su cruzada.

No estará solo en su tarea, por que un joven sheriff del pueblo, enamorado de su sobrina, le ayudará en esta descabellada persecución por el rescate de la joven, que esperan encontrar no infectada por los vampiros.

La película está inspirada en un cómic coreano de Hyung Min-woo, por lo que muchos de sus rasgos estéticos recuerdan a la animación japonesa y a los videojuegos.

Pero, sin duda, el film cuenta con un escenario muy típico de las películas del oeste; poblados arenosos, trenes antiguos que circulan por desérticas llanuras, casas de madera, etc. Todo esto mezclado con otros detalles de ambientación futurista y fantástica, como el manejo de unas motos que casi pareciera que vuelan o las habilidades de los sacerdotes, capaces de acabar con cualquier ser de la tierra.

El Sicario de Dios, es una de esas películas que aunque no tiene la capacidad de sorprenderte demasiado, te mantiene atento y entretenido bajo tus gafas 3D la hora y media que dura la película. Todo un film de aventuras, de temática vampírica, en el que el principal ingrediente es la acción sobrenatural.

EL LECTOR

Películas sobre el holocausto, se han realizado muchas, y sobre la Alemania del postnazismo, otras tantas. Resulta ser un tema recurrente y muy lucrativo en taquilla, así que lo único que hace especial esta película y que la diferencia de otras tantas tiene nombre y apellido: Kate Winslet. Ella es su estrella, lo que la hace brillar en la oscuridad y quien supone el único éxito con sus numerosos premios a mejor actriz de reparto. Sin duda, su mejor papel, su mejor interpretación hasta el momento.

El Lector es la historia de Michael (David Kross y Ralph Fiennes), pero sobre todo, la historia de Hanna (Kate Winslet). Cuando Michael tenía sólo dieciséis años y Hanna el doble, tuvieron una apasionada relación amorosa y sexual que duró poco, pero significó mucho. En cada secreto encuentro, ella le pedía que le leyera algún libro, cómic o historieta. Y tras unos meses, Hanna desapareció sin más. Años después, cuando Michael está estudiando derecho acude a un juicio sobre la Segunda Guerra Mundial y descubre a su antiguo amor entre las acusadas. Y a partir de ahí, la historia pasa de ser un relato romántico a un intento de drama judicial que pierde fuerza por su ausencia de profundidad.
Hanna quiere esconder un pequeño secreto, nimio quizás, pero que podría haber hecho que su vida hubiese sido totalmente diferente. Desde luego, ambos personajes se empeñan en ocultar detalles de su vida y no se llega a aclarar el porqué de sus personalidades, a pesar de que los saltos temporales podrían haberse aprovechado con este fin.
Los planos cortos refuerzan la emotividad de los personajes, resaltando la intensidad de sus expresiones, de sus sentimientos, ante los intensos dilemas que afrontan. Y aunque el guión no es malo, deja sin explorar la relación familiar de Michael, tanto con sus padres como con su hija.
Stephen Daldry, quien ya triunfó con Billy Elliot, ha vuelto a realizar una película de personaje, pero en esta ocasión no llega a crear una historia tan redonda como hizo con el joven bailarín.

FICHA TÉCNICA:

• Título: El Lector
• Año: 2008
• Duración: 123 minutos
• País: Estados Unidos
  
• Director: Stephen Daldry
• Guión: David Hare (Novela: Bernhard Schlink)
• Música: Nico Muhly
• Fotografía: Chris Menges, Roger Deakins
  
• Reparto: Kate Winslet, David Kross, Ralph Fiennes, Bruno Ganz, Lena Olin, Alexandra Maria Lara, Linda Bassett, Susanne Lothar, Matthias Habich, Ludwig Blochberger, Volker Bruch, Hannah Herzsprung
• Productora: Coproducción USA-Alemania; The Weinstein Company / Mirage Enterprises / Neunte Babelsberg Film

"PUDOR", ¿SE PUEDE SENTIR LA SOLEDAD AÚN ESTANDO RODEADO DE MUCHAS PERSONAS?

"Pudor" es una novela sobre la intimidad, sobre los deseos y los miedos que no confesamos, sobre los secretos con que nos protegemos para que los demás no nos hagan daño. Una recopilación de historias que muestra los extremos a los que puede llegar la soledad y sus consecuencias.

Santiago Roncagliolo es el autor de esta novela que gira en torno a un elemento común: el pudor. Santiago nació en Lima en 1975 donde publicó libros para niños y una obra de teatro titulada “Tus amigos nunca te harían daño”. En el año 2000 se trasladó a España donde se vio obligado a realizar diversos trabajos, como el de limpiar casas, para poder subsistir. Con su novela “Abril rojo”, cuya trama gira en torno a un fiscal dedicado a investigar los crímenes de un supuesto rebrote terrorista y que, en un momento de su investigación, descubre el violento pasado de los militares del gobierno de Fujimori, ganó el Premio Alfaguara 2006. Guionista, dramaturgo, autor de libros infantiles, traductor, negro literario y periodista, en la actualidad colabora con medios de América Latina y con el diario “El País” en España.

En 2004 publica “Pudor” a la que describe como “una historia triste y sórdida, y a veces creo que es una comedia. Es lo que tienen en común las familias y los sentimientos, que nunca se ponen de acuerdo”. La novela, ambientada en Lima, nos sumerge en las historias de los personajes de una familia integrada por un hombre que va a morir, una mujer que recibe anónimos pornográficos, un niño que ve cadáveres, un gato que quiere sexo…Todo ello descrito de tal manera que, además se propiciar algunas risas al imaginar situaciones surrealistas, hace reflexionar sobre la soledad, sobre cómo ésta puede adueñarse de nosotros en cualquier situación, incluso rodeado de mucha gente, como le ocurre a cada miembro de la familia.

La novela ha sido llevada al cine, con el mismo nombre, de la mano de Tristán y David Ulloa en 2007.

Es una novela de lectura ágil y rápida que nos hace reflexionar sobre nuestras vidas, preguntarnos si realmente somos felices con ella, sobre con quién compartimos nuestro día a día y todo ello a través de historias que parecen en un principio divertidas y cómicas, pero que encierran algo más profundo. 

San Isidro prende la Universidad

El próximo domingo 15 de mayo tendrá lugar el festival UNIVERSIMAD para celebrar la fiesta del patrón de Madrid. Puedes recoger tu invitación en FNAC Callao, La Gavia o en la Casa del Estudiante de la UCM (Situada en el edificio del Vicerrectorado)

El cartel de este año no da lugar a reproche. Los grupos musicales son de los mejores, y la jornada de conciertos en el paraninfo promete ser un éxito, tanto para los artistas como para el público que acudirá a lo largo del día.

Desde las 12 de la mañana pasarán por el escenario grupos como CYAN, SECOND o AKA TU POWER, ganadores del concurso UNIVERSIMAD COMPLUTENSE DE MADRID. A partir de las 18h comenzará el tributo al difunto Mario Pacheco. Los artistas flamencos quieren homenajearle por su carrera al frente de la discográfica Nuevos Medios y por su enorme talento para impulsar a los mejores. Partipan en el homenaje Pepe Habichuela, el conjunto G3, RAIMUNDO AMADOR, y ANTONIO CARMONA, entre otros.



El evento será cubierto por los profesionales de RNE3, que como cada año, no han dejado de apoyar la iniciativa.

También se contará con la presencia de DINERO, uno de los grupos madrileños que más guerra están dando en los escenarios de España y parte del extranjero. Y descubriremos quienes son los finalistas del concurso Rock Villa de Madrid que ya va por su XXXIII edición.

Como colofón de la fiesta musical en la Complutense actuarán el grupo argentino BERSUIT y ALBERT PLÁ, acompañados de DI ELAS y LOS CORONAS, que también participarán en el recital.



En Crítica de Hoy queremos apoyar esta iniciativa de UNIVERSIMAD con el Ayuntamiento de Madrid para que siga repitiéndose este y muchos años más. La mejor forma de celebrar San Isidro es prender la Universidad con flamenco y Rock 'n Roll.

¡Esperamos pasarlo muy bien!

LA METAMORFOSIS

Gloria Conde/ La Metamorfosis, una novela de Franz Kafka(1883-1924) publicada en 1915, se ha convertido en un gran clásico que deleita leyéndolo en cualquier momento de la vida.

El relato narra la transformación de un hombre en insecto. Toda una sensación de extrañamiento que se adueña del lector, quien poco a poco va descubriendo que el protagonista se ha convertido en un parásito respecto a su familia.

Gregorio Samsa es el protagonista de esta historia. A sus 23 años, trabaja como viajante de comercio, manteniendo así a sus padres y a su hermana. Una mañana se levanta transformado en un insecto gigante. “Estaba acostado sobre una espalda dura como una coraza y, si levantaba un poco la cabeza, veía su vientre abombado, de color marrón y surcado por unas estrías duras. El cobertor apenas se podía mantener sobre tan abultado vientre y estaba en trance de deslizarse al suelo. Sus muchas patas, que comparadas con la totalidad de su volumen eran lastimosamente delgadas, revoloteaban sin ton ni son ante sus ojos [...]”.

Tras sufrir la metamorfosis, Gregorio se encuentra incapacitado para trabajar, por lo que su padre tendrá que volver a trabajar de nuevo. De este modo, el protagonista sufrirá la incomprensión y el desprecio de toda su familia, que poco a poco le verán como un insecto y no como a un ser querido.

Algunos autores creen que la gran capacidad de sugestión de este relato, se debe a la fuerte identificación entre el autor y su personaje. Kafka nació en el antiguo ghetto judío de Praga, pero su padre logró conquistar los altos niveles de la sociedad. Desde el punto de vista social, se convirtió en un judío desarraigado influenciado por la cultura checa. Teniendo en cuenta su desarraigo, se explica que su vivencia más primaria de la vida fuese de “extrañamiento”. Su infancia le intensificó esta vivencia que de adulto plasmó en sus narraciones protagonizadas por personajes excéntricos, como animales o insectos.

Son varias las críticas que subyacen a esta obra. Por un lado, se critica el autoritarismo predominante de la sociedad de aquella época, donde las cosas estaban ya predeterminadas sin explicación ni razón alguna, así como la inferioridad que generaba el hecho de ser judío. También se señala la autoridad que suscitaba la figura del padre en la familia, culpable en gran parte del modo de concebir la vida que desarrolló su hijo.

Por otro lado, la obra recoge el tema del egoísmo humano. El protagonista, Gregorio, se encontraba en la obligación de mantener a toda una familia, pero cuando la situación cambia y es la familia la que tiene que ocuparse de él, ignoran sus responsabilidades y le dejan morir.

El estilo de Kafka, calificado como “realismo mágico”, envuelve esta obra que es toda una metáfora sobre la vida, donde se expresa el desaliento del hombre ante el absurdo del mundo.

Cine con sello de NY

Título: Todos dicen I love you
Director: Woody Allen
Año: 1996
Reparto: Woody Allen, Julia Roberts, Goldie Hawn, Alan Alda, Drew Barrimore, Natalie Portman, Edward Norton



Mira el comienzo de la película en YouTube

Esta es una película de Woody Allen. Una película en la que el sello de su autor está impregnado en cada plano y en cada frase del guión.

Como en una comedia musical moderna, vamos conociendo la vida de una familia neoyorkina a través de los ojos de D.J. una adolescente alocada que ayuda a su padre (Woody Allen) a conseguir gustar a Von Sidell, una historiadora del arte con la que coinciden en Venecia.

La manera de interpretar de Woody y el divertido guión, unidos a unos graciosos y originales números musicales hacen de esta cinta una buena forma de pasar un buen rato y empaparse del estilo del director, que es mucho más acusado en sus primeras películas. Woody Allen se caracteriza por impregnar sus películas de un sentido del humor inteligente, de planos sencillos pero apropiados, y de dar todo lo necesario para que se luzcan sus intérpretes.

En esta, como en muchas otras, Allen acaba besando a una de las actrices más bonitas de Hollywood, Julia Roberts. Y en esta, como en todas sus películas, la banda sonora es excelente.

Entre las actrices del reparto aparecen también Drew Barrimore y una jovencísima Natalie Portman, que protagonizan escenas muy divertidas.

DONDE EL CORAZÓN TE LLEVE

La escritora italiana Sussana Tamaro es la creadora de esta novela escrita en forma epistolar que nos lleva a un mundo repleto de sentimientos, emociones y vivencias mediante las cartas que Olga escribe a su nieta, que ha decidido marcharse a América, para que lea cuando regrese y así entienda muchas de las cosas que no supo decirle mientras vivían juntas en su casa de Trieste.

Olga pretende ayudar a su nieta a que rompa la coraza que ha creado a su alrededor y ayudarla a que siga el camino que dicte su corazón, al contrario que le ocurrió a ella, por ello le cuenta la historia de su familia y de su hija con el fin de que no cometa los mismos errores.

Son cartas con una gran carga de emoción y sentimientos que nos hacen ser partícipes del amor que siente Olga hacia su nieta, del cómo la echa de menos, pero no se atreve a decírselo, ese sensación de no haber sabido comprender a su hija y sobre todo, el no haberse atrevido a desafiar las normas morales de su época y no haber seguido a su corazón.

“...No temas, no quiero pontificar ni entristecerte, tan solo charlar un poco con esa intimidad que antaño nos unía y que hemos perdido durante los últimos años”. En esta frase podemos observar el sentimiento de añoranza de la buena relación que unía a madre y nieta cuando ésta era niña. La frase continúa: “por haber vivido tanto tiempo y haber dejado a mi espalda tantas personas, a estas alturas sé que los muertos pesan, no tanto por la ausencia, como por todo aquello que entre ellos y nosotros no ha sido dicho”. Aquí apreciamos como Olga, viendo inminente el final de su vida, decide abrir el corazón a su nieta revelando la riqueza de los sentimientos ocultos.

La novela, publicada en 1994, ha sido galardona con premios como el Donna Città di Roma en el mismo año y llevada al cine en el año 1996 bajo la dirección de Cristina Comencini.

Sin duda alguna, nadie debería dejar de leer esta obra de la literatura italiana que ahonda en nuestros sentimientos y con la que su autora, merecedora de los reconocimientos que ha obtenido a lo largo de su carrera como escritora, ha sabido conectar muy íntimamente con sus lectores.

SCREAM 4, RENOVARSE O MORIR

Gloria Conde/ Ha vuelto a la gran pantalla, Scream 4, la cuarta entrega de una de las sagas de terror más taquilleras de los últimos tiempos. La película repite director, Wes Craven, y las caras protagonistas de sus anteriores películas: Neve Campbell, más sosa en su papel de lo que ya era habitual en ella, David Arquette, convertido ahora en el Sheriff de Woodsboro y Courtney Cox, la intrépida periodista, esta vez reinventada a sí misma gracias al bisturí.

Nadie dijo que las cuartas partes no fueran buenas y aunque Scream 4 ofrece más de lo mismo, la película sigue sorprendiendo en cuanto a la identidad del asesino. Los fans de Scream volveremos a desconfiar de todos los personajes, hasta que llegue el desenlace y se aclaren nuestras sospechas.

Sin embargo, como era de esperar, el móvil del asesino en cuestión es más rebuscado que nunca. Pero es precisamente lo que diferencia a Scream de otras películas de terror, en las que el asesino siempre es el mismo y el espectador lo sabe. Es el caso de las películas del ya emblemático Freddy Krueger o de Michael Myers, en la saga Halloween.

En cierto modo, el factor quién es el asesino, ha sido siempre una virtud de las películas de Scream y, prácticamente, la principal razón para seguir sentado en la butaca y ver esta cuarta entrega hasta el final, ya que la película desmerece mucho en otros aspectos.

Hay que reconocer que el principio de la película está muy bien, es original y rompedor por la ingeniosa trama de escenas que ofrece. La pena es que se han desaprovechado algunos escenarios del crimen, que podían haber fomentado más el suspense al espectador. En cuanto a los asesinatos, sin duda han sido los más sangrientos de todas películas de la saga y algunos han sido algo excesivos.

La clave de Scream 4 ha sido el humor, algo que no gusta a todos los aficionados al cine de terror. Algunas escenas han resultado muy paródicas y han causado más risas que miedo.

Como remate final, creo que Scream 4 ha aprobado su examen, porque no es tarea fácil reinventarse en una cuarta entrega de una saga y, con sus más y sus menos, la película todavía te mantiene con la misma incertidumbre que en la primera entrega.

KEVIN JOHANSEN: Un directo diferente

El directo de Kevin Johansen no es un directo cualquiera, desde 2008 le acompaña su amigo Ricardo Siri (Liniers), quien va dibujando las canciones al ritmo de la música. Mientras Liniers daba rienda suelta a su creatividad, Johansen tocaba la guitarra y entonaba sus letras en un directo acústico donde se creó un ambiente de lo más familiar. La calidad y destreza de los músicos, combinado con el buen rollo que había en la sala hicieron que el concierto del 14 de abril en Joy Eslava fuera un éxito y que el público disfrutara de lo lindo con el argentino. Incluso se dio un paseo por la sala micrófono en mano mostrando su complicidad con el público español.

Los conciertos de Kevin Johansen destacan por su originalidad, la profundidad de sus letras, y sorprende por la variedad de los temas, todo aderezado con grandes dosis de sentido del humor.

La idea de unir música y dibujos en sus conciertos surge tras la publicación de OOPS! Un libro en el que Liniers ilustra los textos de las canciones. Una de los guiños que más gustó a los presentes fue la idea de lanzar los dibujos al público en forma de aviones de papel. Un regalo que más de un fan guardará como un tesoro.

Las rolas de Kevin Johansen & The Nada tienen un estilo suave, cosmopolita, en ellas se nota el espíritu abierto de la gran ciudad: ritmos orientales y latinoamericanos mezclados con letras inteligentes que no dejan de lado la crítica social y las situaciones de la vida cotidiana.

Todos estos elementos dan lugar a un directo muy particular, un derroche de creatividad y de buena onda que se sustenta además en el buen trabajo de cada uno de los artistas. Liniers, Kevin Johansen y The Nada hacen un buen equipo. Dibujo, música y literatura se complementan y dan lugar a un espectáculo diferente y lindo, que esperamos vuelva a repetirse muy pronto en la capital.

La sonrisa etrusca

Alexandra Mendoza/ "Nonno"- abuelo, en italiano- es lo que todo abuelo sueña con escuchar decir a su nieto. José Luis Sampedro lo sabe y construye una bella historia sobre el amor de un abuelo por su nieto y el modo en que éste amor le cambia de forma inesperada.

Salvatore Roncone es el protagonista de esta conmovedora novela. Él es un hombre del sur de Italia, de tradiciones, que perfectamente podría ser un hombre de la España profunda, con sus ideas anticuadas sobre las mujeres y sobre cómo debe funcionar el mundo, que de repente se tiene que trasladar con su hijo, Renato, y su familia, a una gran ciudad como Milán para ser tratado del cáncer que padece. Esa dualidad de tradición y modernidad acaparan parte del protagonismo.

Su nombre de guerra es Bruno, y su nieto Brunetino, se convierte en el niño de sus ojos, el cual le enseñará a disfrutar inconscientemente de la vida de un modo diferente. Además, también será en esta madurez cuando aprende el verdadero significado del amor incondicional entre un hombre y una mujer.

Sampedro se luce con esta novela, en la que el regusto final que deja tras haberla leído es totalmente entrañable removiendo algo dentro de uno, que no se puede explicar. La técnica es impecable y engancha desde el primer capítulo, incluso consigue transmitir a la perfección la confusión que invade al protagonista en determinados momentos.

Ahora, gracias a una adaptación de Juan Pablo Heras al teatro, y de la mano del director José Carlos Plaza, podemos disfrutar en el Teatro Bellas Artes de Madrid de esta gran novela. Hasta el 24 de abril, podremos acudir a ver cómo Brunetino, se gana poquito a poco el corazón de su "nonno".

"NADA QUE DECLARAR" Y NADA NUEVO

“Nada que declarar” es el título de la última película del cómico francés Dany Moon, quien dirigió “Bienvenidos al Norte”, con la que consiguió un gran éxito de taquilla y que ha sido llevada a Italia, con “Bienvenidos al Sur” y lo hará también en Estados Unidos de la mano de Will Smith.

En “Nada que declarar” nos encontramos con el enfrentamiento, en tono de comedia, de los aduaneros de la frontera entre Francia y Bélgica, en el momento en el que se creó la eurozona. Dany Moon, quien además de director realiza el papel de aduanero francés, sigue las mismas pautas que en “Bienvenidos al Norte”: comedia llena de chistes sobre franceses y holandeses y su forma de expresarse, un aduanero belga histriónico y retratado como un neardental y una pizca de toque romántico (el de todas las comedias de este tipo).

Quizás el gran éxito que obtuvo con su anterior comedia ha hecho que Dany Moon se quede en este género de comedia blanca, llena de tópicos y generalizaciones que tantas alegrías le ha dado, pero que al espectador le lleva a ver más de lo mismo. Los diálogos y chistes recuerdan demasiado a “Bienvenidos al Norte".

Todo esto no quita para que se trate de una comedia que cumple su función: entretener y hacer reir, como en algunas de las escenas, por lo que lo mejor es ir a verla, y así, que cada uno opine.

Una última recomendación: mucho mejor en versión original.

BIENVENIDO A LA ACADEMIA

Gloria Conde/ La Academia de Cine tiene nuevo presidente, se trata del productor y distribuidor Enrique González Macho, fundador de la empresa Alta Films y propietario de los cines Renoir. El empresario cuenta con la actriz Marta Etura y la guionista y directora Judith Colell, que han sido elegidas como vicepresidentas primera y segunda.

Llama la atención la escasa participación de los miembros con derecho a voto de la Academia. Será que cada vez importa menos quién esté al frente de esta institución, ya que en los momentos de controversia, la Academia siempre se ha lavado las manos.

De los 968 miembros con derecho a voto, sólo han votado 376, reduciéndose la participación a un 38%. Ni siquiera la mitad de los académicos se han molestado en votar. Enrique González Macho recibió 256 votos, frente a los 101 que recibió el otro candidato, el realizador Bigas Luna. También se registraron 19 votos en blanco.

González Macho se convierte en el decimotercer presidente de la Academia de Cine, dejando atrás caras conocidas como Marisa Paredes, Fernando Trueba, Aitana Sánchez- Gijón, Ángeles González Sinde o Alex de la Iglesia, entre otros.

El nuevo presidente tiene como objetivo ganarse a toda esa parte de la sociedad que rechaza el cine español por considerarle malo y de poca calidad. Aunque no es una tarea fácil porque los prejuicios sobre el cine español han sido una constante a lo largo de su trayectoria, confiemos en que en poco tiempo, el cine español llegué a ocupar una posición más digna en la mente de los españoles.

Las televisiones privadas, tan dadas a apoyar múltiples causas, siguen en sus trece de no prestar su apoyo al cine español y europeo y parecen olvidar que son concesiones públicas y que tienen obligaciones.

Al menos, el nuevo presidente, tiene claro cuáles son los puntos débiles de nuestro cine y sobre ellos parece que estará orientada su actuación. Bienvenido, pues, ya que siempre es gratificante que el séptimo arte cuente con personas, con experiencia en el sector y con una amplia perspectiva de la situación del mismo.

Chico & Rita, más que dibujos animados

Chico & Rita es un homenaje a la música cubana y al Latin Jazz. Un film de animación para adultos donde los dibujos y la música son un placer para los sentidos, la historia y los personajes son hermosos, y todo se combina con exquisito cuidado bajo la dirección de David Trueba y Javier Mariscal.

La película cuenta la historia de una cantante y un pianista cubanos que, aunque enamorados, optan por tomar caminos diferentes... Los dibujos están dotados de una genial expresividad que les permite transmitir sentimientos de rabia, de dolor, de pasión, de amor o de satisfacción con tan sólo un movimiento o un trazo distinto en los ojos. Mariscal ha conseguido trasladar a sus dibujos una humanidad tal que parece que fueran de carne y hueso. De hecho se rodaron imágenes de actores reales durante cuatro meses: "gracias a ello hemos podido dar a los animadores la información óptica sobre los movimientos de los actores y también se han podido crear movimientos con la cámara más orgánicos, más humanos”ha dicho Trueba. Además, y para gusto del público, todo esto se acompaña de un estupendo guión que les da espontaneidad y encaja perfectamente con el ambiente.

La historia de Chico es muy probablemente la de Bebo Valdés, a quién está dedicada la película.

La combinación de los grandes temas del latin jazz o boleros míticos como "Sabor a mí" junto con unas imágenes llenas de creatividad, originalidad y gusto por la estética componen esta obra maestra del cine de animación.

La realización del film en 3D da a las imágenes una espectacularidad y realismo desconocidos. Sorprenden las vistas panorámicas de las calles de NY en plenos años 40. También es interesante la utilización del color: la luz y el color de la Habana contrastan con el frío gris de Nueva York o los letreros iluminados de Las Vegas.

Deliciosa. Merece la pena verla (y escucharla) en el cine.

Lo mejor: la banda sonora
Lo peor: no todo el mundo se identifica con la historia.

"El Cavernícola", un monólogo diferente

Alexandra Mendoza, Madrid/ Nancho Novo, no es el primer actor que representa esta obra en forma de monólogo; Rob Becker, su autor, ya ha conquistado al público internacionalmente y el teatro Fígaro-Adolfo Marsillach de Madrid, quiere unirse a la conquista.

Novo, protagonista único de esta historia, le aporta ese carácter desenfadado y caradura al personaje haciéndolo suyo como si de su propia historia se tratara. Y no sólo eso, sino que al final de la hora y media que dura el espectáculo, se ha metido al público en el bolsillo consiguiendo que interactúe con él de la forma más natural. El guión de Becker, resulta magistralmente interpretado y consigue que todo el público se sienta identificado y representado.

“El Cavernícola” le da una visión diferente a los tópicos sobre las relaciones de hombres y mujeres, transportándonos a la edad de piedra con su decorado que recuerda al salón de Los Picapiedra. Con una escenografía sencilla sobre la que destaca aún más la actuación del protagonista, los juegos de luces y el uso de una simple capa y una lanza hacen parecer más lleno el escenario.

Los monólogos humorísticos son un género en auge, programas televisivos como El Club de la Comedia, han hecho mucho por este género, pero el formato siempre suele ser el mismo: un monologuista más, o menos, conocido que se presenta sólo, con una silla como mucho, ante un micrófono. “El Cavernícola” supone una forma más teatral de ser representado, lo que le aporta un tono diferente y permite integrar todos los elementos escenográficos al servicio de la historia que se quiere contar.

Una gran obra, una intachable representación y una buena forma de desconectar de los problemas del día a día y de la difícil situación que vivimos.

EL CINE A LA CARTA

Durante esta semana se ha celebrado la CinemaCon en la ciudad de Las Vegas. En esta fiesta son los dueños de las salas de cine los que se sientan en sus butacas para ver cuáles serán los próximos estrenos de Hollywood mientras, en un intento de vender sus películas, se intenta mostrar la mejor cara de un cine que en el último año ha perdido 500 millones de dólares en taquilla.

La celebración no ha quedado exenta de polémica. Cuatro de las grandes, los estudios Sony, Warner, Universal y Fox, confirmaron en un comunicado su intención de poner en marcha entre abril y mayo una fórmula de vídeo on demand (a la carta) para ofrecer películas de estreno en el confort del hogar sesenta días después de su estreno en los cines.

Las reacciones a favor y en contra no han hecho nada más que empezar. Por su parte, los exhibidores, en otro comunicado sentenciaron: “Los estudios han tomado su decisión en lo que creen su mejor interés. Los exhibidores harán lo mismo”. Una película suele estar en cartelera unas ocho semanas, pero el plazo para que salga cualquier oferta en DVD u otro formato suele ser de cuatro meses con el fin de que se puedan obtener beneficios ya que si alguien quiere ver la película, la única opción, obviando la piratería en Internet, es la de ir al cine. Por otra parte, los estudios siguen adelante con su propuesta ya que les aportará un gran beneficio económico.

El dardo ha sido lanzado y ahora queda por ver cómo reaccionarán los exhibidores ante esta amenaza a su negocio en crisis. Han comenzado amenazando con no exhibir en sus salas películas de estos estudios, pero ¿se arriesgarán a hacerlo? Creo que no.

Quizás la solución a esta crisis del cine no reside en que se oferten películas en DVD en un plazo corto de tiempo para poder verlas en el sofá, ni aferrarse a un cine en 3D para que sólo se pueda ver en la gran pantalla, cuando ya hay muchas televisiones que empiezan a hacerlo. Creo que lo que hay que hacer es adaptarse a los cambios y, si el problema es que las personas no vamos con tanta asiduidad al cine, ¿no será porque el cine se está convirtiendo en un artículo de lujo? ¿Realmente los estudios y las salas de cine perderían mucho dinero si bajaran el precio de las entradas? ¿No sería todo lo contrario? La solución parece que, en este momento, no la sabe nadie. El tiempo lo dirá.

¡Bienvenidos!

Este blog está creado por cuatro estudiantes del último curso de Periodismo interesadas por los temas culturales como conciertos, obras de teatro, últimos estrenos de cine...Además de informar sobre ellos, queremos ofrecer nuestra opinión y crítica y profundizar más en estos temas con el fin de ofrecer una información más elaborada y que cualquier persona que nos lea pueda comentar nuestras entradas para añadir más información, rebatir, corregirnos o lo que desee.

Esperamos que os guste!

¡Bienvenidos!